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1、节奏与绘画一、对节奏的理解谈到“节奏“一词大家并不陌生，然而节奏所指什么，也许大家也是只能粗略的能说上几句。比如：音乐，绘画，书法等等，其实这些都脱离不开节奏这东西，如果脱离了或者偏移了，音乐，绘画，还有书法等都是很枯燥无味了，也没有他实际的意义了，也就没有了生机与活力了。有位名人说过 ：“每一位艺术家都能在优秀的艺术品中看见生命的活力和生机。”作为一位画家，其首要任务就是赋予他的绘画作品以生命，而节奏就是生命形式所应具有的基本特征之一。 所谓节奏，最广义的解释就是运动的节律，它是人的生命、 艺术生命和客观世界诸事万物运动的重要属性，是一种合规律的周期性变化的运动形式， 节奏运动是一种客观的物
2、理现象，与这种客观的物理现象相对应的就是在人的心理上产生的内在的“节奏感” 。朱光潜先生也说过： “节奏是主观与客观的统一，也是心理与生理的统一，它是内心生活思想和情感的传达媒介。”朗格认为，“节奏的本质并不在于它的周期性，而在于连续进行的事件所具有的机能性”，是一种经历了开头和结尾的变化过程。所以， “节奏的本质就是紧随着前一事件完成的后事件的准备。 ”朗格的这些见解，为静态艺术中确实存在的节奏现象作了理论准备， 也为如何在绘画创作中对节奏的理解与培养提供了理论依据。所以说作为一位画家，其首要任务就是赋予他的绘画作品以生命，而节奏就是生命形式所应具有的基本特征之一。二、绘画的形式形式这一术语
3、本身并没有神秘可以说的，按照词典里的注解，形式的意思是指“形状” ，各个部分的排列，具有可见性，然而艺术品中的形式也正是指作品本身的形状。各部分的排列与可见性，一旦有了形状，就有了两个部分以上的部分组成，也就有了形式。每当我们在谈一件作品的形式时，经常是指一种特殊的形式，就是一种能打动我们的形式。形式并不是指规则，对称或者任何固定的比例，讨论一件作品形式，同讨论一位模特的形体是一回事。说他体形好，就是他身体比例适中，有美感，也可以说一把椅子、一副绘画的美，也是同一个原因。只要一件作品的形式造型能打动我们，我们就可以说具有美感。一件好的艺术作品是内容与形式的统一，是思想性与艺术性的高度完美的统一
4、。虽然形式并不等于艺术性，但完美的形式都是构成艺术形式的重要因素。不讲究形式的艺术家，即使在他的作品中具有高度思想性的内容，也会削弱作品的动人的艺术力量。形式决定于内容，依存于内容，已成为无可争辩的至理。尽管塞尚声称内容是不足重要的，但他的实践却仍然没有脱离内容的支配，这种内容便是指艺术家对于事物的“形体的认识” 。严格地说，绝对地脱离内容的艺术形式是不存在的，形式总是相对于内容而言的，没有内容，也就没有形式。三、节奏与绘画的联系一个画家在创作过程中想到的不仅是画面最终的效果，而是一个发现的过程。而音乐般的旋律与节奏应是画面的整体框架之作。布局的疏密，色彩的轻重，笔之运行本身，有如一曲交响乐从
5、乐章到主旋律，无一不在节奏中进行。画面的大小，人物景致的杂多与繁简，下笔的魄力与豪放，舒缓与纤细，瞬间都已摆脱绘画本身，并在音符般的跳跃中展现出来，这也正是绘画艺术本身的魅力韵味。绘画过程中，全局的张力与想象力，形象的刻画，姿态的表现是很容易见到和表现的。对绘画本身所出现的旋律蓄意的剥夺、忽视，从深处更加体现了旋律机能的锐气，给予了我们对胜于绘画本身的观赏力。倾心于绘画本身之作，仅试图在绘画“原理”教条框架内的刻画是单一的，人性本能与深度的形象是贫乏的。艺术创作往往是某种环境与物象下的冲动，多以方式与激情混为一体。而节奏感是某种形式下的初始，绘画艺术是节奏意境下从抽象状态到具象状态的过程，画面
6、的完成是节奏意识下的因缘。所以说绘画应是可视的音乐，是在有强烈、有舒缓、有尖盾、有柔和的节奏中才传达了画家浓郁的心里色彩与表现力。四、国画中节奏的运用. 我国绘画的形式很讲究，其实也就就是一种节奏，书圣王羲之的兰亭序中也有体现。如：在文章中的每一个字，甚至每一笔无不体现出节奏。同一个之字能写出二十多种变化，也能充分体现出书法家当时的心境，对节奏的运用。如果说王羲之没有足够的艺术书法功底，没有深层的文化内涵，是不可能有这样的造就的。魏晋时期的顾恺之、曹仲达、唐代的吴道子等，在绘画上能够把书法和绘画紧密的结合，恰到好处的表现。衣着的每一根线条都能随心所欲的表现，使人一看就能热血沸腾，进入情境中。所
7、以才有后来大家所听的“曹衣出水，吴带当风”顾恺之在作品洛神赋中的节奏变现也就成为后来画家中借用的典范。 唐代时期的人物画，运用线条能把人物表现得淋漓尽致，人物的丰腴之美，依着的轻盈表现，无不体现出节奏的美，宋代时期出现的南、北宗派，也继承了先辈的理论。但是宋代时期绘画上出现的水墨山水，水墨花鸟写意画很讲究节奏韵律。在气韵生动方面表现尤为精彩;骨法用笔上能做到意存笔先，虚虚实实;应物形象，随内赋彩，经营位置和传移默写方面都体现出了节奏在国画中的明显体现。总的来讲，在艺术形式方面，中国绘画和西方绘画存在着一定的差别，中国绘画的艺术形式美是为了表现“神似”的，这“神”意味这画家对物象本质的认识，审美
8、的感受，从而融成情思意境。这一切都可以通过作品的艺术形式美而表现出来，至于西方绘画的艺术形式美，主要是追求“形式” 。要符合客观事物的形象和规律，凡是能如实地刻画这些物象的艺术形式都是美的，而画家的审美感受，情思，意境不一定是首先要考虑的。到了现代，艺术不一定要去反映客观事物，可以脱离任何内容而独立地存在。其实，在玩弄形式的形式主义者，也逃离不了一种思想意识，而现代艺术形式美则和这种意识联系起来。在中国绘画史上，人物画科是最早把线条作为艺术形式而应用于人物的衣褶（zhe）。而起慢慢地也分为了很多的类型。例如：“高古游丝描” 紧密连绵，如春蚕吐丝，晋代的顾恺之在他的女史箴图卷（现保存的是模本）
9、；“铁线条”有唐代的阎立本的历代帝王图 ；“柳叶描”有唐代的吴道子送子天王图，“战笔水纹描”见于唐代韩滉文苑图；“兰叶描”见南宋马和之豳(bin)风图；“折芦描”，见于南宋的梁楷的六祖图。这举不胜举，人物的衣褶本是随着人体的动、静，而有种种形状，他们客观存在，而在古往今来许多人物画家为什么创造出如此多样的线条描述方法或艺术表现形式呢？并认为他们是美的，而加以运用，并且在一生的创作中都用，直到今天都还被画家们借用，这就是画家的审美意识，表现为取向造型线条用笔韵律审美趣味。它们组成艺术的形式美，反复体现艺术形式美所表达的画家个性特征，同其气质情感相联系和作品的艺术风格分不开，否则他们是不会一辈子沿
10、用同一风格的。除在用线方面外，在用色上也有其特征，中国绘画的用色和西方绘画比较起来，也有不同的地方，画中的色彩和客观事物存在的色彩相差很大，这在西方绘画中是很不常见的。拿今天的事物来说吧，就是中国绘画用色不是色彩照片。中国古代画家也不搞色彩分析，可以说是很不“科学的” 。因为古代中国根本没有色彩这门学科，从色彩的审美意识说，中国画在用色上不是理性的而是感性的，虽然不写实，不符合客观现象规律，却在用色中抒发了情思、意境。对实现借物写心的创作目的有很大的帮助。我们再用山水画来举例说明一下，不管是青绿重色，还是淡设色或浅绛(jiang)，都和自然景物，真山真水中所见的色彩对不上号，他们不是现实主义的
11、而是浪漫主义的。举凡众色的相间，一种颜色的变化，浓淡的交错等。以及色与色之间的调和、对比、衬托、映发等，都是出于画家的想象，并且还具有浓厚的装饰性。换句话说色彩也不是孤立的，他和墨相辅而行，色不碍墨，色墨交融，墨给色留余地，色去弥补墨的不足，而且以墨为主要是重要法则，并归结为轮廊和皴法的用墨或笔法。中国画之所以能使色成为艺术形式美，关键不在色，而在墨，色的主从关系。国画中的留白也是一种形式的艺术美，完全用水墨而作的如郭熙早春图，却真实地写出深山里冬去春来的气象。由此我们不难想象，画梅也是如此；明代画家王冕的墨梅图；画竹也是如此，清代扬州八怪之一的郑板桥先生画的竹都是用墨，还有在宋代时期的苏轼用
12、朱砂画竹，这也是表达出画家的内心感受，也是一种形式美。在今天的油画技法创作中，也不一定限于用油画颜料来表达，也可以用今天能找到的一些物品来代替颜料，这也是一种形式的美。李思训的江帆楼阁图在灿烂中仍然具有笔情墨趣。对中国画来说，色以辅墨，墨中见笔，而且笔起主导作用，色彩成为意识形式美的基本法则，这就说明色和线条一样，作为艺术形式美，都不容许脱离笔意而闹独立，都要遵循那种“意存笔先” ，的“意” 。任何的形式主义因素是无安身之处的。所以说在中国绘画中，形式节奏对绘画起着很重要的一方面，如果离开这些方面就很难体现作品的生命了，作品就只是一种空壳的墨水喻颜料了，没有绘画作品本来的意义了。五、西方绘画中
13、的节奏 康定斯基1910年所作的这幅抽象的水彩画作品，通常被视为抽象绘画诞生的标志。有很强的节奏美。其实，康定斯基对于抽象绘画的思考，已有相当长的时间，早在1895年莫斯科举办的那次印象派画展上，他的脑子里便已经萌生了有关抽象绘画的念头。当时，法国画家莫奈所作的一幅题为干草堆的油画，使前来观展的康定斯基极为震惊。他曾在其自传中叙述了他当时的反应：“我突然第一次看到一幅绘画，它的标题写着干草堆，然而我却无法辨认出那是干草堆我感到这幅画所描绘的客观物象是不存在的。但是我怀着谅讶和复杂的心情注意到：这幅画不但紧紧地抓住了你，而且给你一种不可磨灭的印象。这种色彩经过调合而产生的不可预料的力量使我百思不
14、得其解。绘画竟然有这样一种神奇的力量和光辉。不知不觉地我开始怀疑客观对象是否应该成为绘画所必不可少的因素。” 康定斯基这里所说的“是客观物象损毁了我的画”，意思是说，画中具体的物象，将观者的目光引向辨认现实事物的歧途，干扰了对“内在精神”的呼唤与感悟，也干扰了对绘画本身的观照，从而使绘画陷入功利主义的泥潭。于是，抽象主义的艺术观念在康定斯基那里最终彻底地形成。他指出，对于绘画来说，抽象的形式是最具表现性的形式，“形式愈抽象，它的感染力就愈清晰和愈直接”。因而，他开始在画中寻求非具象的表现。他先是用水彩和钢笔素描作尝试，把内心涌现的意象表现在画中。这幅作于1910年的水彩画，便是他在这种实验过程中画出的。在现代艺术史上，这件作品被视为最早的一幅抽象绘画作品。这幅水彩画，以稀薄的乳黄色涂底，轻灵的笔触勾画出不规则的色彩与形态，向人们展现了一个陌生而神秘的世界。 即使现代西方绘画与雕塑中，很讲究艺术的节奏之美，如果说他们的作品不抓住节奏来发展很难表现出艺术的价值，很难表现出作品的味道。
